Neste projeto, além de expor a ilustração "Hair", irei explicar como produzi utilizando o software Paint Tool SAI para quem tiver interesse de conhecer - e aprender - algumas coisinhas legais do programa e da pintura digital.

Então, começamos assim:

A primeira coisa que faço antes de iniciar qualquer ilustração é tentar imaginar ela finalizada, já pensando onde irá vir luz, sombra, contrastes, cores que quero que tenham destaque, etc. Dessa forma me auxilia para encontrar a melhor "posição" da personagem que possa conter todos esses pontos. Alguns cálculos e linhas guias foram necessárias para o rosto (estudos anatômicos de desenho humano, etc.), já o cabelo foi por "mão livre". Para os dois utilizei um pincel alterado no SAI, sendo as definições abaixo. 

(charcoal: density = 88, blending e dilution = 0, persistence = 100, + keep opacity; advanced settings: quality = 3, edge: 0, min D. = 0, max D. = 100, hard <-> soft: 92, press: Dens e Size).

#2 Base Color (Pintura de base)

Depois da linha finalizada, reduzi a opacidade da camada para cerca de 30% e criei uma nova embaixo para as cores. Aqui foi uma verdadeira brincadeira de testes até chegar onde queria: decidi que o verde seria luz inferior e o coral luz superior, tendo tons de roxo como base. Nesse momento também separei a parte da pele e cabelo em camadas separadas pra facilitar na hora do detalhamento. É importante atentar para a delimitação das camadas pois posteriormente serão utilizadas como área base para outras cores. O pincel utilizado também foi alterado no SAI, tendo as definições abaixo. 

(color: density = 100, blending e dilution = 0, persistence = 100, + keep opacity;

advanced settings: quality = 4 (smoothest), edge = 100, min D. = 0, max D. = 27%, 

hard <-> soft = 200, press: Dens, Size e Blend).

#3 Green and Coral Lights (Luzes verde e coral)

Aqui a ilustração começa a ganhar vida e finalmente começo a achar que ela está virando algo decente. É a parte mais divertida. Utilizei o pincel básico airbrush do SAI para todo o processo, sendo primeiro feito no rosto e depois no cabelo. Vale ressaltar que com esse pincel é importante a pressão da caneta estar ideal para traços leves, pois nesse efeito de degradê utilizo muito a paciência e repetição de traçado pelo mesmo caminho, adicionando a cor aos poucos. Fiz cada tom de cor em camadas diferentes: para cada camada de cor do rosto e do cabelo, duas novas camadas acima (uma para o coral e uma para o verde), ambas marcadas na opção de clipping group, assim toda pintura fica contida na área pintada da camada inferior, não necessitando limpar o que escapou dela.

Tendo em vista que a luz vem de baixo, o queixo é a primeira ponta e depois vamos subindo para o lábio superior (e um pouco do inferior também, mas só na borda), as bochechas, mandíbula, a parte inferior do nariz (que por ser mais avançado que o nível do rosto vai receber tanta luz quanto o queixo), a área inferior das sobrancelhas e das orelhas. O mesmo raciocínio serve para os cabelos, que, seguindo a delimitação das linhas e a luz vindo de baixo, a parte luminosa ficará mais intensa e próxima da ponta (área centro-inferior), diminuindo gradativamente de intensidade ao subir em direção à raiz. Na franja quis dar o ar de "flutuação" então continuei com a luminosidade mais para cima.

Algumas áreas merecem um degradê mais suave, como as bochechas, para dar a sensação de algo mais arredondado (para isso, usei o pincel básico blur). Já para áreas como do lábio superior onde é uma entrada "mais brusca" é interessante deixar mais aparente a faixa luminosa.

Para a luz superior coral segui o mesmo princípio da luz inferior, apenas invertendo o sentido: para o rosto, o ponto mais alto da face é a testa e área superior das sobrancelhas, descendo vêm as pálpebras, maçã da face, área superior do nariz, borda do lábio superior e lábio inferior; para o cabelo as pontas (área centro-superior) são mais luminosas, tendo como diferença a luminosidade atingindo e se concentrando na raiz do cabelo, já que a luz vem de cima para baixo. 

Aqui foi imprescindível observar a ilustração de longe (zoom out) para medir visualmente até que ponto era ideal dar continuidade na luz superior sem "apagar" intensidade da luz inferior.

#4 Lights and Shadows (Luzes e sombras)

Outra etapa que adoro é adicionar as sombras e luzes da ilustração, fazendo-as "saltar". Criei mais duas camadas com clipping group acima das posteriores (novamente, duas para o rosto e duas para o cabelo) sendo uma para as sombras e outra para as luzes.

Para as sombras utilizei a própria cor de pele, o tom de roxo mais claro, no modo multiply em 45% para o rosto e modo Overlay em 100% para o cabelo. Para todas as áreas de sombra usei o pincel airbrush e novamente o pincel blur em casos específicos. Apenas na parte do pescoço, logo abaixo do queixo, foram necessárias duas camadas de pintura do mesmo processo tornando-o mais escuro que as outras sombras. Para as luzes usei um tom de roxo menos saturado, próximo ao branco, no modo Screen em 60% para o rosto e 45% para o cabelo. No rosto fora mais intenso para ressaltar áreas como íris, ponta do nariz, lábios, bochechas e área inferior das sobrancelhas.

#5 Details (Detalhes)

Sendo a última parte e gerando a ilustração final presente no início deste projeto, a parte de detalhamento serve para "concertar" pequenos erros, adicionar contraste em partes bem específicas, etc. Isso tudo varia de acordo com a sua necessidade e gosto. No meu caso, gosto de olhos bem presentes então neles adicionei luzes, ajustei partes como pelos da sobrancelha e cílios, reflexo da luz sobre o maxilar, etc. Todos com o pincel alterado charcoal (suas definições estão no começo do texto) em uma ou mais camadas acima de todas as outras, em modos distintos de acordo com o caso.