Parte de una serie de experimentos utilizando la idea de postfotografía, como la imagen producida a partir de procesamiento digital (siendo este el medio y no la fotografía en sí) repetido de la información.

Esta imagen surge a partir de una captura de pantalla de un post de instagram de una foto editorial de moda.  

Parte de una serie de experimentos utilizando la idea de postfotografía como imagen producida a partir de procesamiento digital (siendo este el medio y no la fotografía en sí) y al reproceso intensivo de la información fotográfica hasta obtener una imagen completamente nueva.

En el caso de está imagen surge a partir de la fotografía de un murcielago descargada del buscador de imágenes de Google.

Cara es producto de un intenso ejercicio de dibujo que comenzó en 2013 con una serie de bocetos. Basado en una imagen apropiada y descargada de internet de un hombre que se volvió viral por haber perdido su rostro, se convierte en el modelo ideal para una investigación pictórica sobre la materia y la identidad. A pesar de su tono oscuro, la obra no pretende valerse de la tragedia que retrata la imagen original, sino más bien cuestionar el sentido de identidad en la representación realista y dejarse llevar por la textura obtenida a través de fuertes impastos. La obra tomó aproximadamente cuatro años en producirse.

Con el antecedente de una serie de fotografías de 2012 tomadas directamente de los restos del bonsai Fudo, esta fotografía (de una serie de fotografías casuales que suelo capturar con mi teléfono) presenta un  estudio de la textura y la forma organica de una pieza de madera encontrada en una playa de la vía Data de Posorja. La idea es abstraer detalles que puedan resultar interesantes dentro del caos que suponen estas formas. Este tipo de imagen fotográfica sirve de inspiración tanto para mi obra digital como para la que desarrollo en medios tradicionales como la pintura o dibujo.

De la misma serie y tomada de otra parte del mismo tronco de la foto anterior, esta foto presenta el crecimiento de unas algas marinas en sentido contrario a la forma de la madera, mientras la otra imagen es un claro ejemplo de una referencia meramente formal, esta imagen en cambio, atestigua la relacion entre materia organica viva y muerta e invita a reflexionar sobre el proceso pictorico donde el alga en un movimiento generativo se ha apoderado del espacio de un movimiento previo ahora en decadencia y a la deriva en una playa.

Conversancion en el paisaje entre la decadencia producida por el desarrollo urbano, el efecto espejo en el río y los lechuguines.

Los lechuguines habrían sido durante el 2019 un tema de interes presente en algunas series de trabajo personal no expuestas en este portafolio, pero temas relacionados como el fractalismo, la acumulación de materia, las formas orgánicas entre otros han nutrido muchos de los trabajos presentes en este portafolio.

Parte de una serie desarrollada en 2016 de diferentes experimentos postfotográficos, esta imagen  fue creada a partir de una pintura digital hecha en una version de Paint para Mac, la pintura original se titulaba museo y era una escena probremente dibujada utilizando el trackpad de una Macbook Pro el archivo fue procesado y exportado numerosas veces (unas 70 veces) utilizando Lightroom, el resultado de la última edición fue esta imagen abstracta que no guarda relación alguna con la pintura original. La premisa era utilizar la imagen original como material y reprocesarla de forma que se pudiera generar nuevas imagenes de una manera que el proceso dialogara el tratamiento que reciben las imágenes reproducidas en donde la edición con los procesos de post producción de la imágen se han vuelto inseparables de su desarrollo, transformando a partir del reprocesamiento (o sobreprocesamiento) a dichos mecanismos de postproducción en mecanismos de producción de la imagen. 

Parte de una serie de experimentos utilizando la idea de postfotografía, como la imágen producida a partir de procesamiento digital (siendo este el medio y no la fotografía en sí) repetido de la información.

Esta imágen surge a partir de una fotografía tomada directamente en el interior de un bus (probablemente la línea 85) en Guayaquil el mismo año. 

Bebé Rosa es la secuela de Bebé azul, en ambas pinturas los gestos e impastos fuertes al óleo se construyen sobre la base de una pintura realista del retrato de un niño, en donde el material sirve para liberar el retrato de las restricciones del orden realista, a la luz y el color; Perdidos el parecido y la verosimilitud, la presencia humana prevalece a pesar de la oscilación entre lo figurativo y lo abstracto presente en la obra. No se podría decir lo mismo de la presencia de la efigie Mickey Mouse que pasa a un segundo plano cuando no desapercibida.

Aún así la idea de perder los bordes del sujeto con el fondo proviene de la pintura tradicional.

Parte de una serie de experimentos utilizando la idea de postfotografía, como la imágen producida a partir de procesamiento digital (siendo este el medio y no la fotografía en sí) repetido de la información.

El origen de esta imagen se ha perdido para siempre; Su forma recuerda la de una flor.

Originada a partir de un estudio en dibujo, de una pintura de Vincent Van Gogh de un florero, de manera similar a lo que ocurre en Bebé Rosa, el material ha sido dispuesto sobre el lienzo sin respetar ningún tipo de orden realista, únicamente los gestos se sostienen sobre la estructura proveída por el dibujo a carboncillo en la capa base. 

Esta estructura parte de una interpretación emocional e improvisatoria en el estudio previo cuyo interes representacional no gira en torno a copiar la obra original, sino a procesarla y obtener una nueva estructura a partir de ella. Este giro en el proceso de producción, aunque bastante subjetivo y humano es un punto que considero de articulación entre mi obra digital y analógica.

A manera de ritual personal cada cierto tiempo elaboro un retrato de David Bowie, me permite enfocar mis exploraciones y me da una excusa para pintar por placer.

En este retrato hay una intencion de reducir al minimo los trazos y dejarlos "flotando en el vacío, a pesar de lo altamente representacional de esta obra, el lenguaje utilizado está cargado de un vocabulario innegablemente abstracto y la forma de utilizar el espacio recuerda a la del surrealismo por la sensación metafísica que evoca.

Lady es una obra que explora más a fondo los elementos notables de Bebé Rosa y busca llevarlos aún mas allá. Pintada a partir de una grisalla trata de generar una presencia por encima de la representación, pero cargada de dramatismo barroco.

Basada en una selfie y pintada directamente sobre el lienzo; Rebecca es una obra que busca retratar la presencia del sujeto con un enfoque en la ¨luz¨ y que la energía fluctúe vitalmente entre los gestos.

Esta imagen explora elementos de mi obra pictórica y los dramatiza a partir de elementos propios de la fotografia como la doble exposición, el desenfoque o la baja resolución; que en este caso han sido agregados en post producción a la imagen oríginal  tomada de una pintura efímera. La idea es establecer un dialogo entre la pintura, elementos de la fotografía y la fotografía de registro de obras de arte, que se sume a la discusión sobre la postfotografía y el marco conceptual de la misma. Tema que continua en debate hasta nuestros días.

Producto de la superposición de capas digitales; la base de esta pintura es una obra apropiada de Robert Ryman, que luego ha sido procesada utilizando photoshop para agregar ruido y restarle definición.

La elección de Ryman no es azarosa tratandose de un músico devenido en pintor quise agarrarme de la cualidad musical inherente del arte abstracto, estableciendo un símil entre procesos digitales de producción de la imagen y el proceso de producción digital de un ¨beat¨ en un intento de ¨sampleo¨ y trabajo de texturas, visual.

Improvisada en la app autodesk sketchbook, esta pintura fue pintada y procesada digitalmente de modo que visualmente dialogue con la fotografía futurista (especialmente la de los hermanos Bragaglia).

El título es un juego a modo de broma tomado de la banda inglesa Orchestral Manouvres in the Dark en alusión a la musicalidad de la improvisación y a la destreza requerida tradicionalmente para la pintura así como a la oscuridad heredada del tenebrismo.Siendo la banda famosa por su uso del sintetizador, el juego se puede extender a la artificialidad de los procesos de edición y la pintura digital entendida como ¨pintar con luz¨ por David Hockney.

Tratandose de un apunte rápido del natural, esta pintura de pequeño formato sobre papel pretende mediante el gesto servir de resúmen de la presencia y la energía psiquica producto de la interacción con el sujeto.

Basada en el tema clásico especialmente en las famosas versiones de Goya y rubens esta pintura intenta realizar una interpretación emocional de los sublime del carácter del titan enfocandose mas en la caracterización de las fuerzas naturales mediante las turbulencias y texturas orgánicas, que en sí de la tragedia.

Pintura sobre lo sensual, el hedonismo y el placer de pintar. Mediante un esquema de composición geométrico se trabajó una improvisación abstracta sobre la cual se dibujo basado en una referencia fotográfica la imágen del Dios Baco que se fue acoplando a las formas de la capa inicial mediante impastos fuertes de óleo.